HECTOR FALCÓN | Hotbook

HECTOR FALCÓN

¿Cuál es tu proceso creativo?

Es difícil saber con claridad de donde o por donde. Pero mas bien lo que sucede es como un pequeño mapa, trabajaba como pintor dibujante y grabador, dejé de pintar para hacer arte corporal y a partir del arte corporal dejé de pintar y regresé a dibujar y a hacer algunas cosas que estaban entre el dibujo y la pintura. Hice algunos bocetos que correspondían a un preformance, que se quedó en el boceto porque la imagen del dibujo funcionaba bastante bien; eran una chicas con cabelleras largas hasta el piso y se unían. A partir de esta situación empiezo a eliminar el objeto, la forma humana, y solo me concentro en estas piezas hechas de líneas que parecen cabelleras. Dejo una cuestión pictórica por empezar a hacer un trabajo corporal, performance y video, relacionado un poco la situación del envase del cuerpo como contendor. Regreso un tiempo después a dibujar para hacer unos bocetos y a partir de eso encuentro algo que quiero llevar a cabo de forma bidimensional. A partir de las líneas de las cabelleras me llevan a hacer los cortes de los libros primeros a imitar esta situación formal; de esta situación formal paso a la cuestión procesual en la que transfiero los cortes de los libros a los lienzos porque al momento de estar haciendo los libros necesitaba más espacio.

Sí hay cierto nivel de dificultad, en el hecho de estar cambiando de proyecto a proyecto, que siga siendo un challenge en mi vida y que no sea simplemente una manera de vivir ,que es un poco triste; me dediqué a eso porque me gusta, que triste que después se vuelva algo del cual tenga que vivir. Lo pongo un pongo en crisis una y otra vez, cuando ya el proyecta ya esta listo. Hay veces que el proyecto va evolucionando y va tomando ciertos tamaños y hay veces que el proyecto se muere cuando acabas de terminar una cantidad de obras porque ya se agotó; puede ser que eso te vaya llevando a otro tipo de escalones en el mismo tipo de proyecto o que puedas tomar una dirección totalmente contraria.

En uno de tus videos vino la idea de que tratas de abstraer el significado de tu obra. ¿Al nombrar una obra, que es lo que esperas lograr?

Yo considero cosas que son incorrectas o que tienen diferentes maneras de ver. A mí me gusta que el cine y el teatro tengan una narrativa de esa manera cuentan historias, salvo todo aquello que llaman ‘ experimental ‘ que no tienen una narrativa lineal. Ya cuando verdaderamente se vuelve abstracto una puesta para un museo, el mismo media dicta hacia donde van las cosas; yo considero que en la pintura y en las artes visuales, ahorita el hecho de tener una narrativa lineal lo traduzco mas como una ilustración. Sucedía hace 500 años y todo lo que se hacía para la iglesia requería de manera innecesaria una explicación de una anunciación o el nacimiento de Cristo; porque buscaba que el espectador que no sabía leer o el que también supiera, relacionara las imágenes y se volviera más creyente. En el arte contemporáneo actualmente, siento que la narrativa ya no funciona de la misma forma. Así como la música está teniendo cierta evolución, también en las artes visuales les está sucediendo eso. No quiero decir que la narrativa mate las piezas, pero siento que en una narrativa lineal tiene solamente una manera de moverte dentro de ella; lo que sucede dentro del trabajo que estoy haciendo es que tiene varias maneras de acercarte. De entrada las pinturas que componen las piezas están pintadas dentro de una y otra, no tienen ni referentes son puros pretextos de pinturas, no hay líneas, no se puede entender la serie, sino vas saltando. Hay veces sale algo que encuentro en la red, algo que fotografío, no era la manera en la que yo usaba trabajar, pero me encanta invadir otros territorios y otras manera de trabajar para ver que sucede. Lo que sucede es que no tienen lineamientos porque finalmente no van a coexistir dando un mensaje especifico porque ni siquiera hay claridad de que se va a ver de esa pintura; puede ser que sea una última cena y que ese pedazo de pintura se vea solo un borde y no puedas identificar nada. Lo que me parece más interesante ahí es la parte aleatoria, azarosa, gratuita, en donde ya pinté de manera ordenada, técnica, concreta una serie de pinturas; se puede seguir un camino sabiendo que resultado va a tener. Al momento de montarlas una sobre de otra y hacer los cortes, no tengo claridad de que cosa voy a ver, en ese punto ni siquiera puedo dar una explicación específica porque algunas cosas las encontré, lo importante ahí es el proceso, creo que el core de estas piezas es el proceso pictórico, es pintura que habla de los procesos que hablan de hacer una pintura. Los mismos resultados podría obtenerlos de forma bidimensional haciendo dibujos que tenga un espacio redondo y dibujar solo un pedacito, pero hay de aleatoria que me parece más interesante. La parte central de las pinturas, no es que sean pinturas, de hecho empieza a volverse irrelevante, la parte central es que entre capas puedes identificar imágenes y todo a comienza a cobrar otro nivel de abstracción. El hecho de pintar ya no tiene el mismo sentido, ya la pintura no es la parte fundamental, que es mas bien ¿qué voy a hacer con estas pinturas? No es ¿qué voy a pintar?

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Estas pinturas son piezas, o estas piezas están hechas de pinturas donde en ellas no es lo más importante, el motivo o la manera, sino la forma en la cual se acomodan y se revelan unas ante otras. Vas a encontrar distinto tipos de lecturas, unas en donde se siente el acto profano en donde “voy y corte un cuadro” me lo dicen y me lo decían con la situación de los libros; creo que tengo una alma un poco rebelde, y de pronto ya ni lo tomo en cuenta, creo que es necesario. Muchas personas me decían “¿como es posible que cortes un libro?, y yo contestaba ¿como es posible que no exista algo así, tiene que existir, mucho más en el ámbito de la pintura?” Si te das cuenta como se construyen estas pinturas, te darás cuenta que mucho del proceso de las pinturas, como se llevan a cabo, como se acomodan; hablan mucho del oficio de pintor, cuando llegas a tu casa o al estudio y tienes diez pinturas y hay una sobre de otra, apoyadas en el piso, estás viendo un collage de pinturas una sobre otra. Es algo que me parece natural como pintor ver varias y que sólo se revelen en pedazos. De pronto pienso en cortar algunos solos pedazos y tener la posibilidad de poder ver solo un pedazo, o diez pedazos de pintura. Eso es solo un aspecto, el acomodo es otro aspecto; es espectador de pronto no lo ve pero ahí esas pinturas tendrían un manifiesto como “soy el resultado de la vivencia del proceso de la pintura” y el público no lo ve porque no tiene esos procesos, y al momento de que lo acercas a esos procesos, le muestras un corte en donde hay un detalle. La gente llega se para en una pintura y se van a una imagen, pero se les olvida la construcción de la pintura, se les olvida el pedazo de tela sobre donde se pinta, que es parte de un proceso. Los pintores lo conocen, algunas personas lo conocen pero definitivamente no muchas personas. Por otro lado la cuestión de las capas, es una manera en la que pintas, pintas una cosa, pintas otra copa y otra. El público se pierde de todo el proceso que a mi me parece fundamental, me parece precioso quizás sea porque lo he vivido muchas veces; pero igualmente al involucrar al espectador a que viva parte del proceso me parece que es importante. Finalmente me parece poner un título que cierre la obra, porque en el momento que le pones un título en que la historia es completa de principio y fin, te estropean la posibilidad de que tu llegues y tu lo veas. En el momento que pones un título que cierre la posibilidad de que la gente viaje adentro de ella, lo ideal es que la gente pueda viajar dentro de ella, lo empiezan a limitar y a matar la pieza, lo idea es que la pieza tenga cierta vida. Hay cosas que son misterio en nuestra vida por los siglos de los siglos y por eso siguen. Lo sagrado y lo divino existen porque hay una cuestión que se llama misterius tremendus, tu entiendes a dios en el acto de tener un misterio tremendo, el hecho de no poder acceder por completo a su entendimiento total; el entendimiento de dios lo baja y le quita todo lo que tu como espectador y como persona tienes ante el. La cuestión del misterio dejan prendidos algunos puntos en los que la persona se convierte dios; Jesús se convierte dios porque hay un misterio tremendo alrededor. Todas las explicaciones de los átomos de alguna manera, des divinizarían ese fenómeno. Lo mismo sucede con el arte, siento que el arte debe de estar lleno de situaciones de misterio, y no en el sentido de no querer revelar, pero en el hecho de que haya cosas abiertas, y en el que el espectador quiera y pueda seguir viajando, como en el laberinto que no tenga un final, y que va a permitir un movimiento constante; al momento que tengas entrada y salida, ya lo pasaste una y otra vez, y ya te lo sabes y ya no importa deja de ser interesante. Creo que es lo mismo que debe de pasar en el arte, la imposibilidad de cerrarlo todo, y de que digas “esto debe ser así”, aunque yo quisiera, no puedo controlar los significados de la obra porque ni yo tengo los significados totales del universo. El hecho de darle chance de una posibilidad de seguir viva.

¿Por qué esta obra se llama Taken?

Taken por el proceso de tomar, en español tomar también es entendido como alcoholizado. Entonces el hecho de ponerlo tomado, te llevaría a que lo leas de muchas formas. Lo mismo si hablas de la palabra vacío, en inglés no suena de la misma forma, podría entenderse como una cuestión de que no tiene ni concepto ni patas ni cabeza. En la palabra Taken en inglés se entiende perfecto sin que tenga un doble significado e incluso es el acto de tomar, quitar o de abducir. En este caso las pinturas están hechas por el espacio que quitas y tomas y que vas tomando; entonces la acción que para mi es la mas importante es el proceso, y en ese proceso la acción de estar quitando y sosteniendo, son pinturas que se construyen a través de estar quitando material, entre más quitas más están, es como un agujero, más grande entre más le quites.

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¿Tu llevas el tatuaje de invisible?

Sí, no tiene tinta y solo te corta la piel, una vez que sangre se va diluyendo y ya. Siento que al igual que un auto, puedes modificar todo lo de afuera, lo lavas ó lo cambias. Lo mismo con el cuerpo, la renovación que tiene el mismo cuerpo, cosas que no vuelven a funcionar. Me gusta usar el cuerpo como contenedor de la pieza y traer la pieza conmigo, no solo en el cuerpo sino la vivencia de la pieza; he hecho muchas piezas de arte corporal, en donde ya no hay nada y solo queda el recuerdo y probablemente un registro. Hay un espíritu rebelde en el acto de profanación y también de interesante y fascinante. Me gusta mucho esta situación en la que muchas de las cosas son profanadas y cambia su estatus. Aquí es muy raro, el acto de la profanación de un libro, seria como el acto de destruirlo, pero inversamente lo que sucede, lo profano y el libro sube a otro nivel. Lo mismo pasa con el cuerpo, hay un acto de profanar y en ese momento lejos de degradarse ocurre lo contrario se va a otro lugar. El punto principal es la consciencia, saber que es lo que sucede cuando haces un acto de profanación o no. Finalmente todo el trabajo corporal que tengo, va a afectar todo el resto de trabajo que tengo, va y viene, se hace un vaivén.

¿Qué es lo que más disfrutas de tu trabajo?

Justo que he tomado las decisiones correctas en no seguir solo una línea. En mi caso disfruto mucho no tener la soga al cuello, que no le he hecho mucho caso a las personas, he tomado mis propias decisiones; por fortuna puedo seguir viviendo de esto, por fortuna tengo interés de hacerlo. De pronto un día decidí hacer esto, vivir de esto y dejé de trabajar. Me la paso en un acto lúdico totalmente todo el tiempo, vivo de eso y eso es lo que más disfruto

¿Qué rol tienes tu en la sociedad?

El rol del artista no solamente es mío, sino mas bien es el hecho de generar cierta conciencia. A veces, escucho una canción o veo a alguien en una película, hasta veo a otro artista proponer algo que yo ya me había olvidado por estar en el día a día. Así que creo que el rol del artista es permitir que la sociedad se de cuenta de cosas maravillosas que siempre están ahí y que a veces dejamos de verlas por la situación del ensimismamiento de las mismas personas. Creo que el artista también debe de dar otros chances y generar otros problemas, pero no en el sentido de problemas como algo negativo, sino como problemática filosófica que nos despierta otras preguntas. También el rol del artista es generar placer. Me imagino un mundo sin artistas, sin cine, sin danza, sin artes visuales y tendríamos un pedazo sin carne sin sabor. Es la manera de canalizar nuestros pensamientos, el arte es una representación de la sociedad, uno ve el arte de un lugar y entiende mejor la sociedad, es como un termómetro; lo mismo sucede con la comida y en la música. Es una posibilidad de provocar y ser provocador poder decir “despierta, esto es horrible y por eso lo tienes que ver” ó “obsérvalo porque es muy bello”. La situación de la contemplación es importante en los seres humanos es la que nos hace distintos, por eso muchos animales no reaccionan ante las artes. Esto se puede ver desde las culturas más antiguas de representaciones artísticas, tal vez hasta venga integrado en una parte biológica.

¿Blanco o negro?

Según el día, puede sonar cliché pero me gusta mucho el negro.

¿Artista favorito?

Me gusta Marcel Duchamp, Piero Manzoni, y Steven Klein son artistas que respeto mucho.

¿Qué súper poder te gustaría tener?

Detener el tiempo, el tiempo es la cosa más sagrado que existe. Ni siquiera la salud se compara con el tiempo. No tienes buena salud pero tienes suficiente tiempo, probablemente puedas llegar a algo, tienes buena salud pero no suficiente tiempo, te mueres. Creo que definitivamente el control del tiempo.

En 5 palabras tu trabajo.

Contemplación, profandación, creación, proceso y concepto.